縱觀藝術史，自畫像壹直是藝術大師們十分鐘愛的題材。
無論是幾百年前的文藝復興，還是沖破傳統限制的現代主義，亦或是概念先行的當代藝術，藝術家們都會為自畫像保留壹塊“創作的自留地”。
從超凡絕技的寫實風格，到荒誕不經的解構主義，藝術家們極盡巧思來展示自己的個性和眼中的自我。在這種看似“博眼球”的記錄方式裏，往往隱藏著藝術家內心深處不為人知的隱秘，可能是那些最真實的欲望、痛楚、落寞或是對救贖的渴望。
那既是他們隱忍壹生內心的獨白，又是渴望被世人知曉的宣言。
在那些獨特的美學符號之下，我們得以接近壹個更為真實的靈魂，而非被世俗傳頌的光輝。
今天我們整理了歷史上最著名的六位藝術家自畫像，和大家壹起欣賞他們最希望被銘記的瞬間。
這位慈祥的、有著長長白胡子的老頭就是可以被堪稱為前無古人，後無來者的達芬奇。
達芬奇是歐洲文藝復興時期的天才科學家、發明家、畫家。現代學者稱他為“文藝復興最完美代言人”，是人類歷史上絕無僅有的全才，他壹生完成的作品不多，但幾乎件件都是不朽的名作，像《蒙娜麗莎》《最後的晚餐》《巖間聖母》等在世界美術史上都堪稱獨步。
這幅自畫像創作於 1513 年左右，此時的達芬奇已經將近 60 歲了。達芬奇在繪畫中素來以擁有超高的素描技術著稱，在這幅自畫像裏得到了充分的展現。
整幅畫用筆流暢、洗煉，線條豐富多變且剛柔相濟，尤其善用濃密程度不同的斜線表現光暗的微妙變化。畫家臉上披散著的長發與頜下的長須，每壹筆都讓我們看到這位巨匠晚年時的思考力，氣質以及他那深邃的充滿著智慧的目光。
號稱“北方文藝復興第壹人”的丟勒，也被譽為“自畫像之父”。
他在 13 歲時就畫下了第壹幅對鏡自畫像，形象生動、造型逼真，比上面達芬奇的那幅自畫像還早問世二十多年，可以說是西方繪畫史上最早以寫實方法記錄自己容貌的畫家。
丟勒在當時妥妥的大帥哥壹枚，是真正的“才過宋玉，貌賽潘安”，當時有人這樣描述過他的容貌：
可能因為太滿意自己的高顏值，所以丟勒壹直樂此不疲的用他超凡絕頂的繪畫技巧來表現自己。
而且丟勒不僅熱衷於畫自己，他還常常喜歡在旁邊叨逼叨的寫上壹句：這就是我的容顏~
操作手法跟現在我們發朋友圈自拍照，再配文“今天覺得自己有點帥”如出壹轍。
在這幅《自畫像》上（52×41厘米），丟勒扮成壹個舉止瀟灑、受人愛慕的青年騎士模樣，這幅裝扮是德國當時最時髦的青年裝束。長發被燙成縷縷卷曲的辮式披落在兩肩，稀疏的壹撮淡褐色胡須，使他的臉顯得老成持重，其實他還是個風華正茂的青年，背景中窗外連綿不絕的山峰也似乎暗示著他三次翻越阿爾卑斯山，前往意大利學習的特殊經歷。
也難怪丟勒這麽自戀，他畫這幅畫的時候只有28歲，就其造型能力和用色技巧來看，才華已經初顯。
兩年後，他又給自己畫了壹幅《皮裝自畫像》，這次徹底引起了畫界轟動，因為 他第壹次拋棄了人像側面面對“鏡頭”的傳統，完完全全讓自己正面面對觀眾。
可能有些小夥伴不理解這有什麽了不起，但 在當時，只有神才能以正面構圖形象出現 ，凡是藝術家畫人，都得轉點角度。
因此當時有人以為他畫的是耶穌，但丟勒說了：大爺畫的就是自己！~
而且丟勒把自己翻山越嶺到意大利學習的當時最先進的繪畫理論，比如透視法、解剖學等都精妙的融入到了這幅畫中。
在這幅畫裏，丟勒不僅極其優秀的體現了立體感、光影效果，而且連他身上那件棕色皮領上衣的每壹簇絨毛都被細致的描畫出來，讓人完全能感受到它的質感，包括那只正在撥弄衣領上的毛皮的右手，其觀察之細密，連手的振顫都畫出來了。
在余生中，丟勒以北方畫派嚴謹的科學精神，去結合意大利文藝復興的唯美崇高的古典美學，以壹己之力使原來各自為政的地方畫派融合，是第壹位兼具南北畫派長處的大師。
半生富足、半生潦倒的倫勃朗壹生創作了近百張自畫像，成為西方美術中對自己最嚴格的的畫像解剖。
他從 23 歲開始記錄自己的容貌，經由冷靜而客觀的方法，仿佛在鏡子裏凝視另壹個自我，看自己從青年到壯年，從壯年到衰年，從年輕的意氣風發，到老年的蒼老頹敗。
1606 年，倫勃朗出生在荷蘭壹個富有的磨坊主的家庭，家境殷實，自身才華橫溢。25 歲獨自跑到大城市阿姆斯特丹闖蕩，不僅迅速的功成名就，成為了壹個訂單不斷的肖像畫家，還在 30 歲之前就實現了在市中心最貴的地方買大 House，迎娶白富美的壹系列操作，真人生贏家。
1642 年，36 歲的倫勃朗迎來了他事業的巔峰，他完成了載進史冊的大作《夜巡》。
可命運總會在妳最意想不到的時候給妳壹擊重挫。
在同壹年，他最愛的妻子逝世，他們的四個孩子也相繼夭折。這對畫家的個人情感無疑是壹個巨大的打擊。
然而，當命運想要捉弄妳的時候，它從不缺少花樣。
為倫勃朗奠定歷史地位的《夜巡》也轉瞬讓這位成功的職業畫家壹夜間變的無人問津。他的作品超越了自己的時代，那些打破常規的創作方法無法被當時的人們和主流畫壇所接受。
他的藝術變的越發深刻和執著，可他的境遇卻越發急轉直下，曾經擁簇贊美他的人群紛紛背離他而去，倫勃朗破產了。
步入老年的倫勃朗只能靠不斷變賣家產和舉債過日子，但他在用自畫像記錄自己時，卻絲毫不掩飾自己的落魄和醜陋。他絕對忠實的在鏡子裏觀察自己，那些晚年畫下的自畫像，滿臉皺紋，茫然而仿徨的看著人間，仿佛無限感傷，又仿佛無限悲憫，使繪畫不再只是表象膚淺的賞心悅目，更是對深刻人性的揭發。
倫勃朗後期的油畫，肌理堆疊很厚，近看時像是抽象的色塊與筆觸，卻都能準確傳達出內在的精神特質。
處在浮華巴洛克時期的倫勃朗擺脫了宗教與宮廷的虛華，卻以最厚實的方法刻畫人生的現象，在凝練的冷靜中內蘊著飽滿的熱情。
從絕對準確的寫實技巧發展到豐富的酣暢淋漓，他使繪畫被革新，被顛覆，也使繪畫變成他悲劇生命最後的救贖。
除了達芬奇，歷史上恐怕沒有哪位藝術家能像梵高壹樣家喻戶曉，他完美詮釋了什麽是瘋狂的天才藝術家。
和倫勃朗壹樣，梵高在藝術史上也以自畫像著稱。
但倫勃朗的自畫像貫穿壹生，而梵高的絕大多數自畫像都創作於 1885 到 1889 四年之間，多達四十多幅。他像是以自畫像的方式“寫日記”，並坦蕩無疑的將自己暴露在觀眾面前，那些痛苦、恐懼、自我懷疑、精神折磨以及生活中稍縱即逝的快樂。
梵高自己曾說：
梵高在他的自畫像中經常表現得很拘謹和嚴肅，臉上帶著專註的表情。
盡管如此，在每壹幅自畫像中都能找到梵高不同的個性。他形容他在巴黎畫的最後壹幅自畫像是 ：
這就是他當時的感覺：身心俱疲。
1888 年 12 月 23 日，梵高在神誌不清的情況下割下了自己的左耳。這將是他壹系列精神崩潰的第壹次。他不願意在信中討論這件事，但他確實在兩幅自畫像中 "報告 "了這件事。
梵高並沒有為了效果或引起人們的同情而把自己描繪成壹個生病的、崩潰的人。他堅信繪畫能幫助他痊愈。他給提奧寫道：
1890 年 7 月，梵高開槍自殺，年僅 37 歲。他的最後壹幅自畫像是送給母親的禮物。
來自挪威的表現主義藝術家·蒙克，常被藝術史學家稱為“世紀末”的藝術家，因為他的作品反映了歐洲整整壹代人的精神生活面貌。在蒙克生活的時代，再沒有別的藝術敢於像他那樣赤裸裸地描寫人類本能的醜惡，使善良與罪惡並存，讓美麗與醜陋***生。他被稱為“繪畫界的尼采”。
這個悲苦的男人，5 歲喪母，14 歲姐姐去世，26 歲患精神疾病的父親去世，唯壹還在世的妹妹也被精神疾病所折磨，壹直住在精神病院裏，蒙克自己也從小罹患肺結核，倍受病痛折磨。
所以，死亡和疾病壹直是他作品裏恒久的主題。
蒙克在創作這幅《骷髏手臂自畫像》時只有 31 歲，但他把自己描畫成壹個幽靈般的人物，漂浮的頭顱是二十世紀初藝術表達中以個熟悉的手法和主題，意味著肉體世界和精神世界的分裂，畫面底部的骨頭是對死亡的壹種紀念，或提醒。畫面上方有藝術家的名字和日期，這些細節都讓它成為壹種墓碑壹樣的存在。
他曾說：
畢加索可以稱得上是“生命不止，奮鬥不息”的最好榜樣！
13 歲就出道，順便把傳統學院派能得的最高獎項和榮譽都盡收囊中。
他是壹個不安分的終極探索者，拒絕停歇的在挑戰自我的道路上撒丫子狂奔，而且長壽又精力旺盛的他效率高的不可思議，人生似乎從不摸魚，壹***創作了將近 37000 件作品！
從嚴謹寫實的學院派為起點，畢加索的藝術生涯，經歷了憂郁暗淡的“藍色時期”，浪漫美好的“粉紅時期”，盛年的“非洲時期”、“立體主義時期”、後來的“超現實主義時期”和“抽象主義時期”等等，要論對自己作品風格和畫法的轉變甚至顛覆，恐怕沒有藝術家能贏過畢加索。
多變的風格在貫穿他壹生的自畫像中也得到了充分的印證。
這幅畢加索15歲的自畫像已經能清晰的看出他非凡的傳統寫實技術。
畢竟，他的名言是：
1900到1903年，是畢加索人生的低潮。在這段陰郁、沈悶的時期，藍色主宰了他壹切的作品，因此也被成為他藝術生涯中的“藍色時期”。
但很快，愛情來臨了，畢加索也定居在了巴黎。與人生中第壹段愛情——費爾南德·奧利維葉——的邂逅讓畢加索壹掃往日作品中憂郁陰沈的藍色調，而180度的轉向了柔和溫暖的粉紅色調，畢加索正式告別了“藍色時期”，大踏步的邁入了幸福的粉紅時期。
1907年的這幅自畫像最經典，因為他標誌著畢加索逐漸開始轉向他人生最重要的是壹個時期——立體主義。從這時開始，畢加索的畫風就開始“放飛”，壹層壹層的解構著對自我的剖析。
畢加索的作品和他的生活壹樣沒有絲毫的統壹，連續和穩定。他沒有固定的主意，而且花樣繁多，或激昂或狂躁，或可親或可憎，或誠摯或裝假，變化無常不可捉摸，但他永遠忠於的是——自由。
卡羅是 20 世紀最具代表性，也是最擁有傳奇色彩的藝術家之壹，也是第壹位入駐盧浮宮的墨西哥藝術家。
6 歲小兒麻痹；18 歲遭車禍，全身粉碎性骨折；32 次手術、3 次流產；22 歲成婚，互相出軌背叛；32 歲離婚，33 歲復婚，47 歲去世。
這個女人的壹生支離破碎卻又色彩斑斕，她把她人生中所遭到的所有痛苦：病痛、殘疾、由於車禍無法生育、流產、離婚、被背叛……都用自畫像的形式記錄在了畫布中。
她壹生的 143 幅作品中有 55 幅是自畫像，並且獨特的讓人過目難忘。那道標誌性的壹字眉和唇邊薄薄的髭讓這張雌雄同體的臉再難從腦海中抹去。
1939 年，弗裏達和丈夫叠戈·裏維拉離婚，分離後的她常常沈浸在絕望、孤獨的情緒中。
這張著名的《兩個弗裏達》即是創作於此時。在這幅畫裏，這個哀傷的女人描繪了自己的兩面，右邊穿著墨西哥原住民服裝的傳統弗裏達，象征著裏維拉曾經愛過的女人，她心臟的大動脈繞過右臂，連接到手中拿著的裏維拉的畫像，那是她生命的源頭和養分。
而左邊穿著歐洲洋裝的弗裏達是裏維拉不再愛的女人，她的面色蒼白，心臟已經被撕裂，血管被剪斷，即使手持手術鉗也無法阻止血液的留出，鮮紅的血液壹滴滴的滴在白色裙子上，仿佛很快就要失血而亡。
1940 年，裏維拉向弗裏達又提出復婚，弗裏達最珍貴的畫作之壹——《帶荊棘項鏈和蜂鳥的自畫像》應運而生，它裏面充滿了象征元素，每壹個細節都清晰表達了弗裏達錐心的痛楚和倔強。
在這幅畫中，弗裏達坐在正中央，無畏的凝視著看向她的觀眾。頸部帶刺的荊棘項鏈刺入她的身體，鮮血流淌。壹只蜘蛛猴坐在她的右肩，把玩著自己手中帶刺的項鏈，但毫不關心的玩耍卻會使卡羅脖子上的刺插的更深，壹只死去的蜂鳥吊在項鏈的掛墜上，左側的黑豹在虎視眈眈的靠近。
在墨西哥民間傳說中，蜂鳥代表著墜入愛河的好運氣，而黑豹則象征著壞運氣和死亡。
弗裏達用死去的蜂鳥表達自己對這段婚姻的絕望，而那只牽動著荊棘項鏈的蜘蛛猴則是裏維拉曾經送給弗裏達的禮物，而現在，它的每壹次牽動都會使弗裏達傷痕累累，血流滿地。
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