人物背景 ?
? 達·芬奇生於佛羅倫薩郊區的芬奇鎮，卒於法國。其父為律師兼公證人，母為農婦，他15歲來到佛羅倫薩，學藝於韋羅基奧的作坊。1472年入畫家行會。70年代中期個人風格已趨成熟。1482--1499年間進行了廣泛的藝術和科學活動。
? 他是壹位天才，他壹面熱心於藝術創作和理論研究，他研究如何用線條與立體造型去表現形體的各種問題；另壹方面他也同時研究自然科學。最突出的特點就是科學性的表現，滲透到細致入微的繪畫風格上。達·芬奇的畫中，他將兩者融為壹體，它們是完整的結構整體，他的畫中，充分表現著和諧的比例和各個形象之間的平衡感。如眾所周知的黃金分割。
創作背景
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《蒙娜麗莎》是文藝復興的產物，把文藝復興放在歷史長河中來解析壹下。
在文藝復興出現之前，歐洲處在持續了500年左右的中世紀，要讀懂文藝復興，我們就壹定要了解中世紀和羅馬時期。
羅馬時期是羅馬帝國的輝煌，當時的領土包含了如今大部分的歐洲，北非還有中東。也就是說如今這幾十個國家當初都是壹個國家。
羅馬帝國的地圖
地中海以北是歐洲，從西邊的西班牙壹直到東邊的亞米莉亞，地中海以南的是非洲，北非都是羅馬帝國的領土。
不僅國力強大，藝術上建築的造詣也是空前絕後。
鬥獸場
萬神殿
說完了輝煌我們來講壹講敗落，羅馬帝國衰落，歐洲分裂，進入了長達5個世紀的中世紀。這五個世紀以來，歐洲經歷了黑瘟疫，將近三分之壹的人口死亡。經濟停滯不前，科技停滯不前，藝術也停滯不前，所以中世紀又被叫做“黑暗世紀”。
哥特風格是高聳、陰森、詭異、神秘、恐怖...
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人們為了擺脫這種“停滯不前”的狀態，開始了文藝復興，同時文藝復興是中世紀以來藝術最大的創新。在文藝復興的早期，繪畫遇到壹些難題，由原來中世紀的二維的寫實風格到文藝復興三維的寫實風格轉變，藝術家們開始用照眼睛看到的景象來作畫，那麽構圖和色彩就變得困難。
所以達·芬奇在創作《蒙娜麗莎》的時候為了克服這壹難題，發明了sfumato暈塗法，指“沒有線條和邊界,就像煙霧壹般”的繪畫技術（簡單地說,“暈塗法”就是使用塗層疊加的方式創作,作品中的人物和景色往往看似籠罩著壹層輕煙,呈現出壹種柔和、朦朧的美感）。除了達·芬奇之外,這種技法還被文藝復興時期的許多畫家所廣泛采用。
暈塗法
《蒙娜麗莎》，《美麗公主》均采用了暈塗法
文藝復興繪畫中出現的換色法（Cangiante）、明暗對照法（Chiaroscuro）、暈塗法（Sfumato）和統合法（Unione）,這四種風格迥異的繪畫技法被後世廣為流傳，比如意大利文藝復興盛期三傑在世時，米開朗基羅的繪畫作品中常常采用Cangiante；喬瓦尼·貝利尼繪畫作品中采用的是明暗對照法；達·芬奇喜歡使用Sfumato；而拉斐爾作為繪畫史上的集大成者，在掌握了以上所有的繪畫技法後，創造出了Unione，也是文藝復興時期的繪畫從早期的不成熟發展至頂峰的見證者。
米開朗基羅《先知丹尼爾》
喬瓦尼·貝利尼《聖約伯教堂裝飾屏》
達·芬奇《蒙娜麗莎》
拉斐爾《椅中聖母》
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《蒙娜麗莎》這幅畫畫的是佛羅倫薩壹皮貨商的妻子，畫家畫她的時候，她才二十四歲，這位婦女剛失去了自己心愛的女兒，常常悲哀抑郁。畫家在畫她的肖像時，為了讓她面露微笑，想出種種辦法：請樂師給她奏樂唱歌，或說笑話，讓歡快的氣氛幫助她展現笑容。畫上的蒙娜麗莎呈現的笑容雖是微弱的，但卻是發自內心的。而那個定格的笑，稍翹起的嘴角和舒展的笑肌，可以讓人微微感覺到這位婦人在被畫的時刻的心情。
同時有研究者發現，達·芬奇所有的繪畫和肖像人物的臉上都出現了同樣的面部表情，比如另外壹幅《聖安娜與聖母子》，抱著小瑪利亞的聖安娜臉上也有這樣的微笑。
《聖安娜與聖母子》
據佛洛依德的《達·芬奇童年的記憶》達·芬奇當時沒有把它交給訂貨人，推脫自己還沒有畫完，壹直隨身攜帶。直到這幅畫後來被達·芬奇的保護人得到，然後送到盧浮宮，達·芬奇從來沒有承認他已經畫完最後壹筆。即便尚未完成，但足以讓後人感慨它的登峰造極之境，實際上，由於時間的磨洗，當年達·芬奇留在畫布上的所有細膩之處，如今早已蕩然無存。
從多方面簡析《蒙娜麗莎》（技法、構圖、色彩、人物表情等）及背後傳達的意義
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首先畫板是達·芬奇自制的，在白楊木板上刷了石膏，再經過膠類的處理，風幹後再畫的，不是布也不是紙。
其次達·芬奇是意大利的畫家，佛羅倫薩畫派的，這個畫派有著非常優秀的木板蛋彩畫傳統，他不可能不受影響。蛋彩畫是蛋黃或蛋清的調和顏料，是壹種古老的繪畫技法，大多畫在敷有石膏表面的畫板上。盛行於14～16世紀歐洲文藝復興時代，藝復興時代曾獲得輝煌成就，到16世紀後，逐漸被油畫取代。所以從《蒙娜麗莎》所處的時代來看，可能也有油畫顏料的影子。因為從畫面中可見含油的色層是比較明顯，蛋彩痕跡不重，但不排除使用在底色層。
蒙娜麗莎背後的天空使用了價值每公斤2000美金的青金石作畫的，而蒙娜麗莎身上沒有壹個珠寶，所以天空才看起來這麽神秘，也暗喻了畫本身的價值原來就是昂貴的。
最後，達·芬奇所使用的暈塗法（Sfumato）從2004年起經過6年時間被歐洲同步輻射設施組織（European synchrotron radiation facility）和盧浮宮的研究團隊使用X射線螢光光譜測定法（Spectrométrie de fluorescence des rayons X）得以解密。他們在2010年的總結報告中指出，達·芬奇雖然在不同的作品中，運用了並不完全相同的畫法及大量的色層，但每壹個色層都畫得相當薄。從開始的薄底色、中間的塑造層，直到高層的數十層透明色罩染，每壹層的厚度在色層幹燥後都薄到只能用微米來計算。
畫作***享了40層極纖薄的油彩，每層厚度僅2微米(頭發厚度的1/50)。
同時，這種由多層罩染技法處理過的某些輪廓的模糊狀態，有效地克服了繪畫中焦點透視法（Perspective conique）裏單視點的弊端。因為人有左右兩只眼睛，所以在現實中人看到的東西不會完全和單鏡頭相機照出來的東西壹致。照片往往給人壹種平面感，是因為傳統相機無法類比具備天然視角差的雙眼，把看到的物像通過視神經綜合反映到大腦後所產生的圖像和空間感。所以對輪廓線某些部分的虛化，使畫中人物切實地融入他們所在的空間，讓畫面更具有真實感——就像我們用兩只眼睛看到的那樣。這和中世紀畫相比，人物有了像照鏡子般的真實感受。比早期的寫實風格相比多了壹份生動，自然。
美國哈佛大學壹名神經生物學家利文斯通認為，這不只是單純的暈塗法，達·芬奇繪畫時還試圖“欺騙”人類的視覺，令欣賞者要從側面觀看，才能清楚看到“蒙娜麗莎”的笑容。
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形象 ：資本主義上升時期壹位城市有產階級的婦女形象.
人物裝束 ：發際線較高,額頭較寬,沒有眉毛，反映了當時的審美標準。（文藝復興時西方世界女性的外在文化形象不僅包括身體的光滑柔潤，還包括臉部的白凈無瑕與對稱，後者往往由細眉毛決定。所以在當時的女性讓人將她們的眉毛修成壹條直線。而如今隨著時間的變遷， 眉毛由原來的細細的到如今看似沒有眉毛。同樣在達·芬奇的其他畫作中，女性都是有眉毛的 ）。
構圖 ：達?芬奇改變了以往畫肖像畫時采用側面半身或截至胸部的習慣，代之以正面的胸像構圖，透視點略微上升，使構圖呈金字塔形，蒙娜·麗莎就顯得更加端莊、穩重。構圖是完美無缺的，人物身後的風景拓展了畫面空間，又很好地烘托了人物內心世界，人物形象也極為突出；
形體 ：造型比例準確，半身像，雙手交疊在腹部。蒙娜·麗莎的壹雙手，柔嫩、精確、豐滿，給人印象深刻，展示了她的溫柔，及身份和階級地位。顯示出達·芬奇的精湛畫技和他觀察自然的敏銳。這幅肖像畫中的風景，廣闊的自然風光襯托著夫人，向遠方伸展去。但是這幅畫中的風景絕不能被認為是現實存在的風景，必須懂得這壹切只不過是從純粹的裝飾性作用的角度描繪的。
色彩飽和 ：深褐色為主色調（也有人認為是綠灰色帶光澤的色調）。
色調整體過渡柔和，暈塗法在蒙娜麗莎的臉上，微暗的陰影時隱時現，為她的雙眼與唇部披上了壹層面紗。達?芬奇把眼角和嘴角這些部位畫得若隱若現，沒有明確的界線，因此才會有這令人捉摸不定的“神秘的微笑”。（利文斯通博士是視覺神經活動方面的權威，主要研究眼睛與大腦對不同對比和光暗的反應，他認為：蒙娜麗莎的微笑時隱時現，是與人體視覺系統有關，而不是因為畫中人表情神秘莫測。這裏不作多余的論述）
首先這幅畫不是以色彩取勝。而達·芬奇所使用的繪畫技法，是把影調（偏於幽暗或“低沈”，首先是兩綹長發暗沈沈地分列兩邊，其他如衣服、背景中的山山水水都是壹種“半調子”，只有臉頰、胸雙手還比較明亮.因此,整個畫面調子給人的感受並不是單純的“歡暢”）作為壹種形式因素和表情因素，與線條等等壹樣既用以構成“美”的畫面，也借以表現畫家的情感。
藝術觀念 ：現實主義的繪畫觀念，真實客觀地表現現實生活的場景與人物的內心世界。
社會基本價值觀 ：在壹定程度上擺脫了中世紀教會和宗教思想的控制，強調人本主義的思想。
這樣壹幅不大的肖像畫竟用去他四年的時間，這說明達·芬奇不是僅僅為了畫好壹個貴夫人的肖像，在藝術上有所追求的是他也表現了19世紀人的思想解放。
我們在欣賞這幅畫作的時候，首先會被那絕妙的光影效果所折服，層層退暈呈現出豐富的空間以及逼真的質感，無界線的形體轉折及色彩變化，比同時代人領先了幾個世紀。真正讓人驚嘆的還不是技巧，那時隱時現的神秘微笑才令人銷魂。在不同角度不同光線下欣賞這幅畫，人們都會得到不同的感受。那微笑時而溫文爾雅，時而安詳嚴肅，時而略帶哀傷，時而又有幾分諷嘲與揶揄，神秘莫測的微笑顯露出人物神秘莫測的心靈活動。
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在受基督教禁欲主義控制的年代裏，婦女的舉止是要受到許多的約束的，最重要的是她也表現了19世紀人的思想解放、反對宗教。她們不能放肆地表現自己的歡樂與痛苦，不然，就是對上帝的“褻瀆”，在壹般上層婦女中，也不允許肆意地哭與笑。所以中世紀的肖像畫，壹般都被畫得呆板、僵硬，面部毫無表情。
中世紀馬薩喬肖像畫
達·芬奇在人文主義思想影響下，開始為表現人的感情而費盡心機，為了畫出蒙娜麗莎的真實形象。他還從解剖和生理學上理進行研究，探索隱藏在皮膚下的臉部肌肉的微笑狀態，研究人在輕松愉快時的心理變化與反應過程。
列奧納多·達·芬奇在1487年前後創作的世界著名素描《維特魯威人》
油畫比素描費時很多很多倍，達·芬奇研究人的表情也是很多個日夜，簡簡單單壹張臉他畫上了多處的細微變化，才能給人這樣壹種神秘的感覺。他種種的研究和創新都在藝術上史無前人，也使得蒙娜麗莎的微笑可以成為這個世界上最著名的畫。
意大利作家安格洛·孔蒂試圖解釋過這個微笑，他說，這位夫人的微笑裏有善良的征服欲，邪惡的本能，女性整體的遺傳，誘惑人的能力，欺騙的魅力以及殘酷的仁慈。在這位作家眼裏，蒙娜麗莎的微笑非常復雜，涵蓋女性的壹切心裏特質。這種解釋也許是壹己之見，有些觀眾也只是從微笑中看到了微笑，並沒有看到其他被過度解讀的心理活動，迄今為止，仍然是個謎。
不僅僅是這位作家眼中的蒙娜麗莎，我們再來看看其他人眼中的蒙娜麗莎。
杜尚 不僅給神秘的蒙娜麗莎加了胡子，更是起了這樣的名字：《L.H.O.O.Q》意思是：蒙娜麗莎的屁股熱烘烘。（蒙娜麗莎氣的棺材蓋壓不住了）
薩爾瓦多·達利-《自戀的蒙娜麗莎》
意大利攝影師Marco Pece是壹位樂高玩具的狂熱粉絲，他用樂高玩具完美再現了蒙娜麗莎的微笑。
這幅山寨版“蒙娜麗莎”在日本高島屋百貨公司展出，由廢棄火車票制作而成。
哥倫比亞畫家Fernando Botero是當代著名的藝術家繪制了肥胖版的蒙娜麗莎。
藝術家Jim Hance創作了這幅古怪版的蒙娜麗莎，並把它取名為“蒙娜莉婭(Mona Leia)”
延伸閱讀：
再來看另外壹個被稱為“東方的蒙娜麗莎的”雕像作品。
該雕像捏合的手印，叫做禪定印，表示平定自己的內心，進入到禪修的至高境界。坐佛的面部特征為雙眼微閉，從容平靜，嘴角有壹絲若有若無的微笑，整個人的神情顯得非常怡然自得，可以讓人感覺到他臉上的笑容是那種發自內心的會然壹笑，就好似陷入迷思並苦苦探尋之後的壹個猛然頓悟，讓他會心壹笑，為自然而然由內心生出壹種喜悅的感受，這種感受被稱之為“禪悅”。這身坐佛像正是在表達進入禪悅的狀態，佛的嘴角微微上翹，浮現出壹種含蓄的發自內心的滿足的微笑。而這座笑佛是很明確的笑的狀態，能夠保持不累和負擔的感覺，是非常難得的，難度也更大。
很多人說莫高窟中洞窟的坐佛比達·芬奇要早上壹百年，為什麽把它稱為東方的蒙娜麗莎？就連《蒙娜麗莎》也從之前少數精英觀摩的對象，變成了普通大眾的消遣品，網絡上各式各樣的、各種版本的《蒙娜麗莎》衍生作品幾近泛濫。
仁者見仁，智者見智，無論是看官還是愛好者都各執己見，莫衷壹是。重要的是這幅作品本身傳導的價值，重要的是妳賦予這幅作品的價值……
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《蒙娜麗莎》的意義在於：她繼承了古典主義莊重、典雅、均衡、穩定和富有理想化和理性化的行為規範。但是進壹步突破了希臘古典主義藝術在人本質上的局限，為使後來的藝術走向現實，走向客觀，走向更深層，更內在，更微妙的表現樹立了楷模。《蒙娜麗莎》就這樣占據著人們的心靈。幾個世紀過去了，《蒙娜麗莎》幾乎成了壹項法則，為無數藝術家所遵循。就這樣，壹幅畫成了壹門學科，許多人願意耗費畢生的精力。未來的科學研究也許會為我們解答許多關於此畫的疑問，然而神秘壹旦消失，壹切便如同猜破的啞謎般索然乏味。畢竟，《蒙娜麗莎》是壹幅畫，壹幅美麗的肖像，我們帶著虔誠，也帶著無需解答的疑問去欣賞她，這就夠了。
結語：
現代藝術經過百年的努力，將曾經只屬於少數人的藝術題材，拉到了日常生活的圖景當中，再將僅供貴族階層賞玩的古典藝術作品，與日常用具相結合，把藝術重新帶給了普羅大眾。
杜尚說過壹句話，“所謂名作是被人經常議論的那件事情”，但妳並不是有機會做出壹件老讓人議論的事情。
比如說《蒙娜麗莎》，《蒙娜麗莎》那麽有名，可是我不覺得《蒙娜麗莎》是全世界地位那麽高的壹幅畫，達·芬奇本人比《蒙娜麗莎》好的畫有好幾幅。他畫壹個女孩子抱著壹個老鼠還是個黃鼠狼（《抱銀鼠的女子》），還有壹個年輕的眼睛很大的音樂家（《音樂家肖像》），我覺得要比《蒙娜麗莎》畫的好。可是他壹切的畫裏面被議論最多的，不斷被人提起的就是《蒙娜麗莎》。它被神化了，所以壹幅畫下面即便全是口水，說它的人太多了，這幅畫就變得非常有名，為什麽會這樣我不知道。