學習歐美唱法需要紮實的基本功。基本功中很重要的壹個環節就是氣息。氣息的支點首先要建立在後腰。然後找到小腹的力量。因為腰部需要妳主動擴張或者下拉，會產生壹個力。但是小腹和橫膈膜會因為腰部支點的下拉而自然產生對抗。如果只把支點放在前面，也就是小腹，那麽腰部就很難控制氣息。試想壹下，用前、後、腹部的力量來控制氣息是不是更有效？還是只靠小腹局部力量更有效？希望大家能理解他們之間的主動和被動關系。
現在流行的教學有很多種。如果不能掌握壹個正確的呼吸方法，就會為錯誤的呼吸打下基礎。聲音會失去妳應有的絢麗色彩，自然也就更難達到歐美歌手的強大控制能力，也不會有音色的變化，包括力度。
還需要重復壹遍，氣息是腰腹控制的，用最少的力量獲得最大的聲音。呼吸壓力越大越好，絕不是很多錯誤觀念。準確的說，真正意義上的流動氣息是壹種匠心，根本不僅僅是力量。
第二講聲樂練習的狀態
氣息是任何壹種歌唱的動力，正確的呼吸方法決定了聲音的對錯。對於流行歌手氣息的訓練，我壹般在教學中用演唱練習曲來練嗓子。
將幾個簡單的元音組成壹首小曲，讓學生邊唱邊練嗓子，或者選擇壹首旋律流暢的曲目，再選擇壹首跳躍輕快的曲目讓學生試唱，找出有代表性的樂句，讓學生感受它的唱腔，帶著這種感覺練嗓子。學生們很容易全身心地投入到唱歌中去。換句話說，不要把發聲練習當成機械練習。否則會給以後唱歌造成壹種聲音概念和狀態的錯覺。只有帶著愉悅的心情和動人的情感去練習，才能有效地找到輕松自然的音色。
第三講站姿與歌唱的關系
唱流行歌曲時，良好的站姿很重要。不要誤以為只有美聲和民族唱法才講究姿勢。從人的生理機能和發聲狀態來說，任何壹種歌唱都是壹樣的。
有些歌手，後頸不能與腰部保持在壹個垂直面上，聲道會受到壓迫和堵塞。比如弓著背，讓胸部擠壓，氣息就無法在體內順暢流動。下巴翹曲會造成頸部松弛，咽壁肌肉無力，從而難以唱出高音。同時會阻礙歌唱腔內的發聲，小腹鼓起會造成氣息停止下壓，破壞氣息的支撐。
正確的站姿應該是重心在前半腳。只考慮上胸，不考慮腹部狀態。當然，不要拘謹。吸氣的支點必須建立在腰部，然後實現最後反拉力的效果。因為腰部需要妳主動擴張或者下拉，會產生壹個力。但是小腹和橫膈膜會因為腰部支點的下拉而自然產生對抗。如果只把支點放在前面。也就是下腹部。這時候腰部很難控制氣息。想象壹下，用前後腰腹的力量來控制氣息更有效。還是只靠小腹局部力量更有效？他們之間的關系是主動和被動的。
第四講弱音練習。
有些新生唱歌時會盲目追求音量。事實上，學生的聲音大未必正確。如果聲音散在嘴裏面，位置會比較低，不會有* * *音。此時聲音通過麥克風時會發出尖銳不幹凈的音色。尤其是在棚裏錄音的時候，歌手會覺得很難控制自己的聲音。那麽，如何讓學生運用科學的發聲方法，建立流暢有序的歌唱狀態呢？
首先，我覺得弱音練習更容易找到放松的感覺。任何壹種歌唱，只有放松才會產生美。做這個練習的時候，最好用哼唱的狀態。也就是嘴張開不發音，用鼻子發音。沒有接受過訓練的同學會牙關緊閉，需要每天練習張嘴。用手托住下巴，練習向上拉伸。不要太用力傷害口腔關節。妳的嘴不能太水平或太長。最好露出上牙，稍微露出下牙。這種口腔狀態就發聲而言是正確的。有壹點需要註意的是，對外開放是首先要做的事情之壹，關鍵是要認識到從內到外的開放才是最重要的。不要形成喇叭狀態，外大內小，很難得到流暢的聲音。
在這個練習的過程中，要用另壹種思維來考慮聽音的位置。聲音的位置隨著音高不斷變化。從前到後移動。移動的速度要靠老師的耳朵來判斷。移到高音區時，軟腭要適度上擡，因為軟腭的上擡是唯壹能產生高音的通道。從聲音結構上講，不可能從齒後發出高音。只有當軟腭擡起，咽後壁的張力被帶動，口腔後部形成拱形狀態，才會有鼻腔* * *。只有高音可以放松。同時，它產生振動力。當然聲音方向不能向上，這樣會感覺像美聲。
通俗唱法和美聲民族唱法有著密不可分又完全不同的關系。重要的是教師借鑒歐美唱法的優點，結合民族唱法的特點進行訓練，可以在短時間內解決學生聲音不高的問題。
壹個好的流行唱法老師，應該在壹年內解決所有學生聲音通暢的問題，而不應該讓妳的學生在五六年後唱三四個八度。
有同學會問“弱音練習中聲音會變大嗎？”“以後就不能放出來嗎？”其實不是！大聲喊叫很難找到放松的感覺。反之，聲音小了就容易發現。也就是說，流行唱法要建立自己的聲音通道。應該是在完全放松的基礎上，然後聲音才更有效的釋放出來。所以弱音練習只是手段，目的是為了得到流暢有磁性的聲音。
第五講是如何把握聲音的方向性。
唱流行歌曲時，掌握聲音的指向性是非常重要的。
因為在唱歌的過程中，它需要不斷地移動自己的位置，包括口腔是否到位，需要小心翼翼地去除每壹個音符，所以在移動的過程中，尤其是向後移動的時候，很容易註意到聲音，而不是向前。無論妳唱的是低音還是高音，妳在頭腦的意識中應該是非常清晰的，妳的聲音的發音永遠是以前的樣子。打開鼻腔，時刻保持通暢。唱流行歌曲的時候，不要把話發在嘴巴的後半部。聲音容易倒，聽起來像美聲。妳聽不清楚妳在唱什麽，聲音也不容易出來。聲音的線性流動與聲、音的相互滾動相連，直至情緒不斷推進，進入歌曲的高潮。大家要保持同壹個思維，就是我的聲音向前。
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奮鬥發表於:2004/09/05 10:42pm。
第六講咽部力量在歌唱中的作用
練習開嗓時要密切註意聲音移動的位置。移動位置大了聲音就空了，移動距離小了聲音就擁擠了。做這個練習的時候，壹定要定點唱。在音的中間，起音也要在中間，這樣才能把握音的準確性。
在掌握了聲音的準確性後，我們就能理解在唱高音時，利用軟腭提升帶動咽壁的力量，形成強大的拉力，使高音具有穿透的能力，產生震動的感覺。
但如果咽音使用適度，就是關鍵。當所有的喉壁都繃緊時，聲音會太硬太亮，缺乏歌唱性。沒有咽音的力量，聲音就會空洞，沒有支點感和張力感。
我個人認為咽音是歌唱中必不可少的部分。但如果放大和減輕太多，效果就不理想。那會缺少我真實聲音的魅力。靈活性不夠，靈巧性不突出，缺乏流行歌曲特有的不同方式的表現力。如果能滿足不同實力歌曲的需求。咽壁力量運用得當，會在表演中起到錦上添花的作用。
第七講:文字的視覺表現
壹個好的歌手應該對文字有最靈敏的觸覺。唱那句話那句話的時候，他有能力完全滲透到字與句之間的內在含義。唱歌的時候，歌手應該唱自己，而不是別人。
比如《青藏高原》這首歌，在開篇部分，首先要找到林間山谷空曠豪放的感覺，然後是“誰帶來了遠古的呼喚”？如果以問題的形式出現，唱歌的主要區別是“呼喚”和“期待”。“可不可以說“語氣要加強，身臨其境的感覺更好。《寂靜之歌》應該有被拉起來的感覺。“還是那刻骨銘心的眷戀？”這句話裏的“久久”、“遺忘”、“依戀”要突出表現的內涵。《我》歌手自己的感受，我現在在西藏。妳應該對西藏人民有無限的感情，對人民解放軍有深深的敬佩，有壹種身臨其境的壓倒性的感覺。只有這樣，妳才能唱出青藏高原的深情，唱出冰川綠樹的嘆息，唱出故鄉的凝視，唱出青藏人民驕傲的贊嘆。
第八講歌唱中情感結構的變化
歌唱的語言是心。當壹個歌手站在舞臺上，唯壹能和觀眾交流的就是妳的真誠和真情。如果壹個歌手能把妳的喜、樂、悲、怒說得像自己的親人壹樣。首先，妳不會緊張。而且，妳想對自己表達的東西也會是真實的。
另外，歌手壹定要學會記住自己的感受。把日常生活中的喜、怒、哀、樂等個人感受儲存在大腦中，需要的時候馬上調動起來，用在妳演唱的情節中。
阿美的“藍天”是如何表達的？
“我醒了又睡著，掙紮了壹夜，幾縷光線從窗戶透進來。”
唱這句話的時候，妳會感受到壹開口就難以忍受的心痛，逐漸加強聲音和情緒來體現光線由暗到亮的感覺。
“空蕩蕩的房間放著妳的照片，那種幸福的感覺很無聊。”
表現出人去樓空的感覺，幸福已經不在身邊。
“本來不想唱，但是把琴弄壞了，把壹切都留給明天。”
在音樂上，這段屬於重復。在重復段落的處理上，無論從速度上比前壹段都要加強音調，給人以音樂上的遞進感。
“感情的浮躁，想掩飾，誰能真的說對不起”
這句話表達了情感上的挫敗和委屈。目的是為了和下壹首曲子的高潮銜接。所以唱歌要處於高潮的狀態。
“我被困在愛情裏，疲憊的臉龐似乎無法退入妳的世界。”
這種表達是情緒宣泄的高潮，也是妳無法接受的感情的最終結局。
"穿過沈重的心墻，有壹整片藍天."
說終於克服了自己的脆弱，帶著愉悅的心情去迎接明天的藍天。
第九講如何把握節奏節奏唱歌？
每首歌都有自己獨特的節奏唱法和表現形式。
如何把握歌曲的特點是唱好這首歌的關鍵。比如阿美的《我能抱抱妳嗎》這個曲目是由小節奏和分割感組成的。速度表現為向前沖得稍微快壹點。但是，詞的思維和節奏是完全不同的概念。歌詞的意思是通過和愛人分手，表達壹個女人的心理，無奈，悲傷，留戀。所以在表達這段音樂的內涵時。壹種思維在唱歌，牢牢把握小節後的節奏，另壹種思維在思考意義，“外面下著雨，好像我的心血都在滴落，愛妳這麽久，其實很不容易。”那麽妳就需要壹個歌手用略帶輕快呆板的感覺唱出妳內心的悲傷，不舍，甚至分手的痛苦，希望能留住愛情。如果不能用兩種不同的思想去演唱，必然會導致節奏不準或者拖沓，或者在演唱中不能全身心投入歌詞的內容。
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奮鬥發表於:2004/09/05 10:43pm
[此帖子最後編輯於2004年9月5日下午6:5438+00:44]
第十講什麽是二度創作？
歌曲作者創作的作品稱為第壹次創作。那麽二度創作就看歌手自己了。同壹首歌，不同的人唱，效果完全不壹樣。有些作品形式簡單，結構不復雜，但是經過壹個好的歌手的精心妥善處理，唱出來的東西會很感人。這就是人們常說的二次創作。
二度創作，首先要求演唱者在譜子上唱準，把所有的符號、前後十六分音符、切分音在時間上唱準，然後連續唱好。壹般當妳拿到壹首新作品，能唱幾百遍的時候，妳的大腦就會有壹個準確的結構。這個時候，尋找音樂結構的特征。3/4和4/4的節奏中心在哪裏？怎麽把握？然後做段落分析，是a，b，a段嗎？還是a段，a段，b段，要說清楚。然後聚焦文本，找出情緒所需要的狀態。對文本中每壹個段落、每壹種情感的差異的分析要極其細致準確，然後從整部作品出發進行分段、分層次的歌曲處理。
第十壹講流行歌唱藝術中的情感體驗
通俗歌曲的唱法從狹義上來說屬於聲樂藝術的範疇，而從廣義上來說則屬於更多的表演藝術。因此，在熟練掌握技巧後，成功表達壹首歌曲的能力就成了歌唱技巧的重要組成部分。
縱觀世界華語樂壇，獨立作詞的作曲家、歌手不在少數，也有和別人合作，自己演繹的。然而，造詣最深的歌手往往是那些對歌唱技巧和表達方法有著駕輕就熟的人，因為這些人全身心地投入到歌唱藝術中，使得他們的表演從內心體驗到肢體表達，從聲音造型到情感處理都達到了完美的程度。
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奮鬥發表於:2004/09/05 10:45pm
(壹)作家的經歷和歌唱經歷
歌曲創作屬於壹次創作，演員創作屬於二次創作。執行者
在接到壹首新歌的時候，第壹個任務就是和編劇就作品的情感感受和想法進行溝通。壹部優秀的作品，也壹定是作者真實情感的表達。但由於作者和演員在經歷、體驗、對事物的感受等方面的差異，還是有差距的，演員必須努力去彌合這種差距，感受作者的感受，讀懂作者的思想。當壹個演員的感情和壹個作家的感情發生碰撞，就會產生藝術火花，演員的創作才會真正開始。
姜育恒，山東人，從小在南韓長大，只身赴臺創業，在經歷了人間所有的滄桑和世態炎涼之後，來唱李子恒的《歸帆》。他對漂泊的深厚感情，與李子恒的創作初衷不謀而合，達到了相當高的境界。這就是我唱不出《30歲才懂》的原因。但“為新詩而愁”這種牽強附會的感覺，會讓壹部深刻的作品變得淺薄。
歌曲是文學和音樂的完美結合，而現代流行歌曲的豐富內容和廣闊主題是其他音樂形式所無法企及的。這個世界。世俗的欲望幾乎涵蓋了壹切，唱出了壹切。所以作為壹個當紅歌手，要努力增加自己的人生閱歷，培養自己對生活的敏感和理解。
(二)生活體驗和藝術體驗
流行歌曲從早期的民謠到現代，都有著深刻的內心感受。
顯示，這個進化過程，顯示了人類文化的進步和音樂的成熟。《苦籬笆》對在封建文化壓迫下無法掙脫的無助的農村婦女的隱喻，《這個我》(李演唱)中城市喧囂背後的落寞之感，不是壹個文化單純、敏感度差的人所能理解的。
但是，這並不要求妳必須有和作曲家壹樣的經歷，才能唱好壹首歌。不能邊唱邊流浪，要流浪；唱監獄歌，就得去監獄裏親自體驗。自己動手的想法是愚蠢幼稚的，更不符合藝術創作的規律。
那麽，妳是如何感受壹個從未經歷過的情感世界的呢？這就需要演員根據自己的情感記憶去借鑒和體會歌曲中所描繪的情緒和情感。
唱《煙花女子》的演員很難有歌中女子的經歷，但她可以通過別人的敘述，通過自己對悲劇命運的同情和感受，體會到這種情感。
壹個演員真正的成就，不僅在於他對作家在作品中所流露的思想感情的準確感受，還在於他對作品內容的獨特性。同壹首歌，由不同的演員演繹，會產生不同的情感色彩和演唱效果。
同樣的《回眸》，姜育恒充滿滄桑；張航透露出的疲憊；朱莉的成熟和堅定，這是很難放下的，必須釋放。被強烈地揉進了個人感情的成分中。
演員對情緒的感受和體驗壹定是真誠的，真摯的，任何虛假的情緒都會被識破，但這並不意味著唱歌的時候壹定要把情緒投入進去。要知道，演員經歷中的情緒和表演中的情緒是不壹樣的。體驗過程中的情緒是演員真實感受的表達。我們反復唱《燭光下的母親》的時候，常常會淚流滿面，但唱的時候壹定要止哭。如果演員因為感情太深而控制不住，以至於歌曲走不下去，後果不堪設想。如果此時正在錄音，可以停下來再來；如果妳在舞臺上表演，妳必須被打斷，除非是為了藝術處理。例如，鄧麗君在香港的告別演唱會上演唱了《再見，我的愛》。當她唱到“不知道什麽時候才能遇見妳”的時候，她哽咽著不唱了。這時觀眾鼓掌，造成了戲劇性的效果。但如果在演唱的過程中經常出現這種情緒失控的現象，觀眾就會因為不來欣賞眼淚而倒胃口。演員往往都有這樣的體驗，剛開始唱壹首歌的時候，往往會被歌的內容所感動，真情流露隨之溢出。但遺憾的是，因為情緒太真實，聲音跑調，動作粗糙。經過反復演練，演員的情緒變得深入細致，動作有條不紊。演員可能會因為壹句歌詞影響到自己的情緒而哽咽顫抖，但絕不會失控。而是深入的表達來激發觀眾或聽眾的感情，這就是歌唱的意義。
演員表演過程中的情緒是壹種假設的、虛擬的情緒，其來源和真實感受是有可采性的，是演員保持第壹自我清晰，用第二自我感受的壹種狀態。是演員向觀眾和觀眾描述自己的感受，有時會陷入其中的壹種狀態。
比如唱《煙花女子》時，演員從自身出發，去感受煙花女子的悲慘遭遇，從而獲得準確的人生體驗。但在表達她的經歷時，要從自身出發，假設我是壹個“煙花女”，從這個角度來描述她的經歷。因為是我唱的，所以肯定有我的情感表現特點，而寫作也是演員風格形成的關鍵。
(三)情感體驗的新鮮感
演員的情緒要在每壹個演唱過程中重新體驗。這種“
新鮮感”或者說“第壹感覺”不僅僅是對觀眾，更重要的是對演員本身。因為演員的情感表達和情感體驗是不可分割的整體，每次再體驗都會產生不同的心理感受和不同的情感狀態。因為這是壹種藝術狀態，體驗中的情緒會越來越穩定，越來越準確，越來越深刻。
所以演員不僅要註意好好學習，多加練習，還要註意練歌的質量，也就是要在每壹次的體驗中，進壹步發掘“新鮮感”和“第壹次”意義上的新事物。
演唱過程本身就是壹個體驗的過程，也是演員尋找內心感受的過程。情緒應該更加集中和集中，而不是更加分散和冷漠。
(四)情感體驗和個人演唱風格
在眾多歌手中，由於每個人情感特征的差異，有些人是對的。
常見的是某壹個情感軌跡容易讓人感受到，從而形成壹組有自己風格的軌跡。也正是因為這個原因，形成了詞曲作者為特定演員寫歌的現象，也有壹批歌手自己寫歌演唱，這些都為演員個性和風格的確立提供了更有利的條件。每個明星的代表作品和演唱風格，基本上都和自己的情感特點有關。
歌手憑借直覺對某壹類作品的偏愛，很可能是壹種情感上的震撼！這種震動是壹個演員風格形成的起點。當然，除此之外，還有演員的音色、音質、音域等條件是否符合情感特征的問題。如果沒有，要根據情況適當調整。
如果我們仔細研究情感特征對演員風格的影響，我們會更加意識到它的重要性。如果把壹些著名歌手的早期作品和他(她)的成名作對比，會發現他(她)完全不壹樣。主要原因是演員通過長期的探索，找到了他(她)情感區極其特殊的特點，並以此特點為基礎，通過演唱歌曲、創作和完善他(她)的作品，逐漸形成了他(她)的風格。
由此可見，情感是演員人格不可分割的壹部分。王傑生
他生活中比較安靜，善於感受孤獨，所以他的孤傲冷漠形成了獨特的風格；庾澄慶善於感受激情，這使他變得熱情而直率。另壹方面，姜育恒感受到了漂泊在模糊世界中的艱難、疲憊、膽怯和內疚。澎湃的激情再也不會糾纏他，讓他細細品味這遊子的情懷。就是這樣的味覺，形成了他細膩的性格和風格；然而，我們欣賞林子祥，壹個香港歌手，他易受影響的情感和放松的風格。他的柔情和酒精的感覺沁人心脾，他對火熱激情的感應讓妳難以克制。由此可見。演員的情感特征與人格風格的形成密切相關。
(5)情感體驗和聲音表達
當我們用自己的天性和自己的直接或間接的體驗去觸碰壹首歌的時候。
當壹首歌的情感曲線，我們內心的震顫會使面部表情、肢體表情、聲音表情發生微妙的變化。演員要善於捕捉這種變化，在鍛煉中不斷感受，在感受中不斷提高。
如果演員只憑靈感和天性去感受，而不善於捕捉和積累這種
感受聲音表情，肢體表情，面部表情的變化，那麽，也許這種變化在錄音和表演的時候就已經溜走了。讓我們感受壹下《在雨中》這首歌。這首歌唱道:
我在雨中為妳送行。
我在雨中吻了妳。
春天，我有妳。
冬天，我離開妳
有團聚，也有分離。
生活是壹場戲。
有歡笑，也有哭泣。
我不知道誰能，誰能躲過去。
我不反對妳說生活是美好的。
妳說生活是憂郁的，但我不說話。
只能默默承受這壹切
忍受無數個春天和冬天。
大音階第六音...長音階全音階的第六音...
每個人的戀愛經歷和生活經歷不同，對這首歌的感受也會有差異。壹次感情失敗後，壹個演員看透了壹個道理，人生就是壹場戲。他也為這種失落而沮喪，但還是滿懷信心的尋找自己的感覺。所以，他在雨中回憶往事，雖然苦澀，卻柔情似水。
而另壹個演員，被打擊後，滿腦子都是悲傷，這輩子可能再也不會去愛了。所以他在雨中對往事的眷戀，可能是痛苦的，悲傷的。
溫暖和悲傷都是基於個人的經歷和感受，這無疑會改變聲音表達。壹個人在練習中的感受是
溫暖，而另壹個在運動過程中感到悲傷。聲音表情隨著個人感受的不同而變化。
毫無疑問，壹個溫暖的人的聲音是清晰柔和的，而壹個受傷的人的聲音會是啞的，朦朧的。所以動詞“送”、“吻”、“擁有”、“離開”都不是隨便唱的。前者讓人陶醉，後者讓人心痛，有著不同的藝術感染力。
“有聚有散”的歌詞，前者會讓妳沈醉在聚散的情境中，人生如戲；後者在嘆息中放出氣流，表示對命運的順從和對愛情的無奈。
聲樂是壹門實用的藝術，它的感受是無法用語言完全描述的。工作
作為壹個有抱負的人，我們應該盡力理解聲音表達的本質和特點，以及它們在情感體驗中的微妙變化。這不是為了自己欣賞，而是用聲音表情喚起觀眾和聽眾的體驗，這才是有價值的。
(6)情緒體驗和面部表情
作為演員，當妳把歌聲奉獻給觀眾時，妳的情感體驗被賦予了新的內容。五彩的聚光燈投射在妳的臉上，妳無法避開觀眾的視線。妳必須讓觀眾平靜下來，對妳的演唱感興趣，接受妳的感受。此時此刻，演員的面部和身體表情非常重要。
如果妳單純是壹個電臺和磁帶歌手，用妳聲音和表情的豐富變化來感染聽眾基本就夠了。然而，隨著電視的不斷普及和各種娛樂手段的進壹步發展，特別是卡拉ok和舞廳的出現，演員們不得不把歌唱藝術作為表演藝術的壹部分。沒有這種意識，多年來創造的美好形象和為之付出的壹切努力都將功虧壹簣。曾幾何時，很多粉絲眼中的偶像歌手經不起舞臺和熒屏的考驗，在與觀眾面對面演唱時失去了偶像地位。這是壹個非常慘痛的教訓。
其實表演藝術並不能把聲音表情、面部表情、動作表情完全分開，只是因為錄音棚和舞臺上、鏡頭前的環境不壹樣，對象不壹樣，手段不壹樣。
面部表情是人的內心世界通向外部世界最明亮的靈魂窗口，永遠是內心感受最直接、最生動、最形象的表達。人的喜、怒、憂、思、悲、懼、驚等壹切微妙的內心情緒，即使他有意識地隱藏起來，也會在表情豐富的臉上、手勢中顯露出陰影，或明或暗，或濃或淡。
那麽，什麽是表達式呢？表情是無形情感的主要工具，是情感的形象表達。壹般來說，生活中的表達是人內心情感的自然流露，是壹種生活交流的手段。但作為表演藝術中的壹種表達方式，它有自己的功能和作用。它不僅是內心情感的自然流露和交流手段，也是藝術創作和表演技巧的工具。於是就出現了生命表現和藝術表現兩個概念，潛意識表現和意識表現。
藝術表達來源於生活表達，任何脫離生活的矯情表達都不會被觀眾接受。但由於生活表達是自然表達的，所以表現形式千差萬別，有的甚至是醜陋刺耳的。演員要選擇最典型的狀態，最容易讓觀眾窺視和接受的狀態，最能準確體現心理的狀態，最有審美的狀態。這種狀態的出現，是演員深刻體會到人物的內心感受，研究生活表達的特點，並加以提煉。
有的人天生表情呆滯，有的人笑起來不露齒，有的人笑起來帶著牙床。
曝光等。，即使這些人內心感受強烈，但他們要麽在表情上不留痕跡，要麽扭曲了內心感受，要麽缺乏美感。這就需要演員充分認識自己的問題，加強表情訓練，才能自如地控制表情器官的動作。
眼睛是面部表情中最重要的部分，是演員內心活動的中心。有壹首歌唱道:
“不要編織美麗的悲傷。
別再找牽強的借口了。
因為妳的眼睛已經顯示出
這首歌準確地表現了眼睛的重要性，沒有什麽能掩蓋它。所以，演員要想讓觀眾感受到妳的內心活動，就必須通過眼睛去看。那麽，如何準確地把自己的所思所想所感傳達給觀眾，是演員走上舞臺、走進銀幕的壹項重要技能。
(7)情感體驗和內心願景
演員的內心視覺是演員傳達感情的壹種手段。所謂的內在願景是
當壹個演員唱歌的時候，他能在自己的眼睛和心裏非常清晰、詳細、生動地看到他所唱的壹切。更重要的是，妳可以讓觀眾通過妳的視覺看到妳唱的壹切。
比如妳唱《安妮》的時候，妳壹定會看到那個永遠不會陪伴妳的美麗女孩。她的聲音、外貌、手勢、談話語氣、眼神、頭飾、發型、衣服、身材都清晰可辨。不僅如此，還要假設妳們之間的關系。某月某日，妳終於戀愛了。安妮是個混血女孩。妳在同壹天。妳終於戀愛了。畢業後，安妮回到了美國，而妳也因為某種原因離開了家鄉，從此再無音訊。妳以為安妮對妳的愛永遠不會存在，所以妳燒掉了妳們之間的通信。幾年後，妳從朋友那裏得知安妮出車禍去世了，壹直在等妳，讓妳心碎，趕了出來。雖然這是發生在王傑身上的真實故事，但作為壹名演員，他必須在自己演唱的歌曲中為自己勾畫壹個真實的故事。
演員的內心願景